新剧目怎么能够成为经典？为什么创新剧目的市场远不及经典传统剧目呢？戏曲的创新如何做到既有新意，但又不脱离戏曲本体的韵味内核。我在思考，其实谁先真正解决了这一矛盾的问题，谁就是当代戏曲的“革新者”，让戏曲从根本上回归主流。传统的、经典的剧目历经几十年，甚至近百年的沉淀形成的审美范式，在观众的艺术思想认知中已经形成了固有的、剧种特有的审美思维，已经内化为了一种文化集体的意识观念，实则也是我们族群文化基因的自我确认，我姑且可以认知为文化的欣赏惯性，而创新性剧目往往陷入"形式代偿"误区，过分依赖“声光电”等现代科技，以此来取代程式化表演，导致戏曲艺术的本体性消解，我称之为“创新代偿效应”，导致了传统欣赏和当代创新者的艺术思想观的价值坐标系紊乱，陷入双重性迷失，既未建立现代审美坐标，又丢失传统价值维度。戏曲创新与传统传承的辩证关系，本质上是艺术本体性与时代适应性之间的永恒博弈。当前戏曲创新面临的困境，实则是文化基因传承与现代表达失衡的结构性矛盾。可以说，这已经是“世纪性破解难题”，但即便是难题，也不是不能解，需要以新的思维，新的"文化DNA重组"，这是一项戏曲思维系统性的革新。
无论是通过程式化基因库保护，还是坚守"移步不换形"的本质特征，以及构建多维度观演关系等等，当下戏曲需要的不仅仅简单的形式上的创新，而是需要启动"文化操作系统"的版本升级。当我们在量子计算时代重新诠释"一桌二椅"的美学理念，在元宇宙空间传承"四功五法"的表演体系，戏曲才能真正完成从文化遗产到活态文明的转型。当然这个课题如若展开，将是非常庞大。我认为，在探索的过程中，关键是要把握文化基因解码与时代编码的平衡艺术，让创新成为传统的当代表达而非基因突变。这是我一再在以往的论述中强调的“艺术绝对不能成为转基因后的产品”。唯有如此，戏曲才能突破"博物馆艺术"的桎梏，在数字文明时代重建其文化主体性。戏曲的创新与传承是一个复杂而深远的课题，需要在尊重传统的基础上，巧妙地融入现代元素，以实现艺术的活态传承与时代适应性的完美结合。这要求我们不仅要在形式上寻求突破，更要在文化基因的层面上进行深刻的解码与重新编码，确保创新成为传统的当代表达，而非简单的基因突变。通过构建多维度观演关系、坚守戏曲本质特征、以及利用现代科技如量子计算和元宇宙等新兴技术，戏曲可以突破传统“博物馆艺术”的局限，重新确立其在当代文化中的主体地位。这一过程需要创作者、观众、政策制定者等多方共同努力，共同推动戏曲艺术的系统性革新，使其在数字文明时代焕发新的生命力，真正实现从文化遗产到活态文明的转型。在探讨戏曲的传承与创新时，关键在于找到一个平衡点，使得创新不仅能够吸引现代观众，同时也能保持戏曲艺术的本真和传统韵味。这种平衡达成了，才是戏曲真正回归主流，今天我抛砖引玉，欢迎热爱戏曲，喜欢越剧的朋友共同探讨，请大家批评指正！
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