戏曲作为一门活态传承的艺术，如今虽有各类艺术院校培养人才，但在我看来，跟随师傅口传心授学到的东西，远比 “大课堂” 教学更能触及艺术精髓。一份技艺是否经过名师点拨，演员一亮相、一张口便能立见分晓。因此，对 “老艺术家” 不仅要妥善保护，更要抓紧 “用好”—— 不能让他们闲置一旁、束之高阁，必须争分夺秒把握他们尚能传承的时光。
随着时代的变迁，戏曲艺术的传承面临着前所未有的挑战。尤其是那些年事已高的“老”艺术家，他们不仅是戏曲艺术的传承者，更是这一艺术形式的活态载体。因此，抓紧“老”艺术家的传承时间，成为了当前戏曲艺术保护与发展的关键。“老”艺术家对于戏曲的传承具有独特的价值。经过数十年舞台实践的打磨，他们对唱念做表（尤其是唱与做）早已形成融会贯通的体系 —— 这不是简单的技艺叠加，而是长期舞台实践淬炼出的艺术智慧。老艺术家的表演早已超越单纯的技艺展示，更多是艺术内涵的凝练与升华，这种境界是年轻一代短期内难以企及的。可以说，他们手中的技艺，正是戏曲传承的核心所在。“老”艺术家的艺术，是一个时代的文化符号和载体。 戏曲艺术不仅仅是表演技艺的传承，更是文化的传承。因为有了长期的表演实践，能够积累丰富的文化知识和历史记忆。“老”艺术家对戏曲的理解，以及他们从他们的上一辈，乃至上几辈的“老先生”那里得到的传承，融入了自己，和对历史、社会，对人生的深刻感悟，这种文化传承是无法通过书本或影像完全复制的,往往是超越了技艺本身。很多连讲课都听不到，感受不到的内容，长年累月的跟随老师身边就能得到，这才是“非物质文化遗产的真谛”。时间的不可逆性使得“老”艺术家的传承更显珍贵。由于客观自然规律，“老”艺术家因为身体条件和精力等因素，能够参与演出的时间和机会也在减少，而口传心授、身教言传更多需要身体力行，为了防止随时面临失传的风险。所以传承“老”艺术家的艺术不容缓。
因为时间的不可逆性，“老”艺术家身上的技艺有失传的风险，这就是常说的“人走艺走”。其实技艺有着其独特性，独家性，更多的是不可描述，无法用笔记录的东西，是依赖于长年累月地跟随身边，口传心授，一旦“老”艺术家离世，或者不说离世，哪怕是心凉透了，不说了，不教了，这些技艺也就因此失传了。随之而来的就是这段历史文化消失了，断层了，属于这一流派的艺术消亡了，或者名存实亡了。所以我认为“老”艺术家的珍贵、独特，稀缺，决定了他们在传承中的不可替代性。
要做好这份传承，首先要给予老艺术家真正的尊重 —— 这份尊重既是对艺术的敬畏，也是 “学艺先做人” 的基本态度；剧院团需为他们搭建良好的传承环境，建立完善的传承机制；更要借助现代科技，趁老艺术家尚能说、尚能演，对其技艺与文化认知进行数字化记录，让这些宝贵遗产得以永久保存。抓紧对“老”艺术家的保护和艺术的传承，是对戏曲艺术保护的需要，也是传承中华文化的重要举措。趁着“老”艺术家尚在，抓紧传承，确保戏曲艺术能够代代相传，永续发展。
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